蒙娜丽莎的微笑、大卫的凝视、雅典学院的宏伟，它们共同折射出一种思想，一种在视觉艺术中不断塑造和被塑造着的精神。从14世纪到17世纪，意大利人回望古典，以期走向未来，他们从古典哲学、艺术和生活方式中汲取灵感，将之作为个人主义、世俗主义、观察和自然的基石，并将这些价值观融入自身的创作中。这些价值观体现在文艺复兴时期艺术作品中的一系列典型主题和符号之中。
古典神话与技艺：文艺复兴艺术中的符号
桑德罗·波提且利《维纳斯的诞生》，约1485年。
文艺复兴人文主义的核心是重燃对古典古代的兴趣，这一时期在文艺复兴思想家看来代表着人类的最高价值——批判性思维、修辞学和对个人的强调。甚至“文艺复兴”这个词，尽管直到19世纪才由一位法国学者提出，也暗示着文化的“再生”。正如文艺复兴人文主义者弗朗西斯·彼特拉克所言，文化的第一次诞生发生在古典古代。彼特拉克在14世纪中期写道，在他之前的时代笼罩在黑暗之中，缺乏文化、创造力和发展。实际上，正是彼特拉克将文艺复兴之前的时期称为“黑暗时代”。彼特拉克及其同时代人，如但丁·阿利吉耶里，在他们的创作中向古典诗歌和哲学家致敬，引用古典写作风格，最著名的例子是但丁《神曲》的三部分戏剧结构。
除了作为自身价值观的蓝图，古典古代也在塑造一种新的或复兴的视觉语言。在主题上，这体现为使用希腊罗马神话人物和故事，例如桑德罗·波提且利创作的《维纳斯的诞生》，这幅作品描绘了罗马化的希腊女神阿芙罗狄蒂。人文主义者看到了希腊罗马艺术对比例、逼真解剖和平衡的追求中所蕴含的哲学，这些价值观反映了人文主义者对个人的赞赏。
胜利女神像（萨莫色雷斯胜利女神像），约公元前200-175年。
在《维纳斯的诞生》中，波提且利直接借鉴了希腊罗马雕塑，运用了“背靠背站立法”，通过将大部分体重放在一条腿上，在人体中创造出平衡和逼真感。右侧的女性人物也借鉴了希腊罗马雕塑的写实性——她裙子下摆映照在风中的双腿，让人联想到希腊罗马雕塑，例如萨莫色雷斯胜利女神像。与欧洲中世纪风格化的艺术相比，文艺复兴时期的艺术家们更倾向于直接复制生活，尤其是在表现人体时，而中世纪艺术更注重艺术的内容和信息传递。米开朗基罗的《大卫》等其他文艺复兴时期的艺术作品，在内容和风格上都借鉴了古典古代，是这一文艺复兴主题的典型代表。
肖像：文艺复兴艺术中的另一种符号
列奥纳多·达·芬奇《蒙娜丽莎》，约1503年。
文艺复兴时期的肖像画并非始于《蒙娜丽莎》，而是经历了几个世纪的技术、材料和品味的不断演变而逐渐形成的。文艺复兴时期肖像画的兴起具有双重意义。一方面，肖像画反映了文艺复兴人文主义的价值观；另一方面，经济变化使富裕家庭能够定制自己的肖像画。在欧洲文艺复兴之前，大多数艺术作品都是由天主教会委托创作的。
在主题上，大多数艺术作品描绘的是圣经故事、人物、圣徒和殉道者。然而，贸易和银行业务的发展为个人积累财富创造了机会，因此他们开始委托创作与教会无关的艺术作品。值得一提的是，即使在所谓的“黑暗时代”，欧洲也是丝绸之路复兴后，从东亚最远端到欧洲的蒙古人贸易网络的一部分。事实上，这种跨大陆的联系为黑死病的传播创造了条件。受感染的啮齿动物会躲藏在蒙古人的衣服和个人物品中，并被带到丝绸之路错综复杂的网络中的各个驿站。
作为意大利文艺复兴中心的佛罗伦萨，在中世纪时期作为一个生产羊毛的城市而兴起，并参与了地中海和印度洋贸易网络，后来通过在热那亚首次发明的借贷和信贷的复式簿记系统，获得了其重要地位。这种系统成为许多个人积累财富的基础，这些个人后来成为文艺复兴时期艺术的赞助人，例如美第奇家族。在文艺复兴初期，受新财富的推动和人文主义对个人的迷恋的启发，艺术赞助人开始在委托创作的艺术作品中展现自我，同时仍然忠于圣经主题。他们不是主要人物，而是参与到故事中的角色。
列奥纳多·达·芬奇《蒙娜丽莎》细节，约1503年。
随着时间的推移，赞助人越来越多地参与到艺术创作中，最终成为艺术作品的唯一主题。罗马的半身像对文艺复兴时期的肖像画产生了重大影响，古典风格的进一步影响表现为使用侧面侧面来反映罗马硬币上的肖像风格。油画等技术发展，为文艺复兴时期的画家提供了工具，油画的缓慢干燥特性，使他们能够创造出具有层次感和深度的细节作品。
在文艺复兴初期，女性肖像通常是“由丈夫委托创作，以庆祝婚姻，纪念新娘的家庭生活、虔诚和最重要的是贞洁”，正如薛奕媛所写。这可以通过在作品中加入明显的宗教物品来传达，例如祈祷书、念珠和遮盖头发。这一传统在16世纪被《蒙娜丽莎》打破，它代表了肖像画的革命，成为了后来肖像画的蓝图。
首先，《蒙娜丽莎》中，丽莎·格尔迪尼（这幅肖像中推测的女性）的直接凝视，缩短了画中人物与观者之间的距离。她嘴角的淡淡微笑，让人意识到她正在被注视着。在这种互动中，她成为了一个积极参与他者凝视的个体，而不是早期文艺复兴肖像画中被动的个体。另一个革命性的技术是纯天然的背景，这反映了文艺复兴人文主义者对自然世界的关注。
此外，尽管格尔迪尼很可能来自一个富裕的家庭，但她并没有像同一时期其他女性肖像画那样，被描绘出财富和奢华的象征。薛奕媛写道：“结合《基内夫拉·德·本奇肖像》，也许列奥纳多是想强调他所描绘的人物个性的特色，而不是他们丈夫和家庭的社会地位的衍生物。”这种风格影响了后来的许多作品，例如拉斐尔的《玛达莱娜·多尼》。
花卉：文艺复兴艺术中的点缀
桑德罗·波提且利《春》，约1480年。
对人体的写实和对自然的写实，构成了人文主义者与外部世界的关系。在文艺复兴时期，对植物和动物物种的学习、复制和理解的兴趣日益浓厚，这在很大程度上得益于中世纪植物学的基础。文艺复兴之前的植物学研究，提供了有关植物药用价值的详细信息，有时将某些植物与宗教符号联系起来，例如三叶草作为圣三一的象征，可以用来抵御蛇咬，这显然是对夏娃和代表人类堕落的蛇的隐喻。此外，赋予某些植物物种的某些意义，是天主教从希腊罗马时期继承来的，最著名的是酒神巴克斯或狄俄尼索斯，希腊罗马的葡萄酒之神，以葡萄而闻名，这一形象在文艺复兴时期的艺术家们的绘画中得到了复兴。
植物学家在桑德罗·波提且利的《春》中识别出大约五百种植物和花卉。这幅画的具体含义尚不清楚，但有一种理论认为它是一件来自美第奇家族成员的结婚礼物，这一假设得到了画中描绘的花卉视觉符号的有力支持。米歇尔·布西洛在引用米雷拉·莱维·丹科纳的《波提且利的春：植物学解读，包括占星学、炼金术和美第奇家族，以及自修复后的首次彩色复制品》一书中，特别提到了草莓、风信子、玫瑰、鸢尾花和紫罗兰，所有这些都与爱情、快乐、生育和欲望有关。
桑德罗·波提且利《春》细节，约1480年。
从克洛里斯嘴边伸出的树枝上，长着一朵草莓花，其特点是金黄色的花蕊，周围伸展着象牙色的花瓣。克洛里斯是被西风神泽菲罗斯俘获的女神，后来被变成花神弗洛拉，她被描绘在克洛里斯左侧。更多草莓花点缀在弗洛拉的脚下，装饰着她王冠。草莓在各种文化中都是生育、性感、爱情和婚姻的象征，这是因为它们的颜色是宝石红，味道甜美，而且在春天开花。此外，在《动物作为文艺复兴艺术中的隐喻符号》中，西蒙娜·科恩写道，柑橘类水果通常与圣母玛利亚的德行相关联：“在玛利亚的圣像中，柑橘类水果通常可以互换，作为贞洁、救赎和救赎的象征。橙花是新娘的花卉，柠檬作为爱情忠诚的象征，也与婚礼主题相关联。圣母玛利亚在柠檬树或橙树下的圣像在威尼斯文艺复兴时期的绘画中似乎影响了婚礼主题中爱情的世俗描绘。”在《春》中，罗马的美丽、生育和爱情女神维纳斯位于柑橘树冠的中心，在风格上以圣母玛利亚的视觉属性展现，通过植物象征性地表达了她的德行。
动物：文艺复兴艺术中的隐喻
弗拉·安吉利柯和弗拉·菲利波·利皮《东方三博士朝拜》，约1440-1460年。
在《动物作为文艺复兴艺术中的隐喻符号》的引言中，科恩认为，文艺复兴时期对自然世界的描绘，在很大程度上延续了中世纪的象征主义。从欧洲中世纪动物志中汲取灵感，动物被赋予了人类的品质或被赋予了表达特定美德的价值。通常情况下，单个动物可以代表相反的价值观，“例如善与恶、美德与邪恶、神圣与世俗或生与死”。孔雀象征着不朽和复活，但也象征着骄傲。
此外，特别是在文艺复兴时期的绘画中，孔雀是永恒生命的象征。科恩指出，它们经常出现在文艺复兴时期的圣诞场景中，但也可以出现在东方三博士朝拜的场景中，例如弗拉·安吉利柯和弗拉·菲利波·利皮的作品中。在这幅作品中，孔雀直接坐在谷仓的顶端，它的羽毛尖端悬挂在刚出生的基督头顶，将永恒的生命信息与鸟和孩子交织在一起。
鸽子也是欧洲宗教艺术中反复出现的动物。它们通常出现在报喜场景中，与白色百合花相伴，被认为是高贵和值得信赖的。它们被认为是忠诚的，因为它们只交配一次，如果伴侣去世，它们会成为寡妇。此外，报喜场景，包括一只飞翔的鸽子，是圣洁受孕的象征。
列奥纳多·达·芬奇《抱银鼠的女子》，1489-1491年。
貂是纯洁和清廉的象征。最著名的貂的描绘之一，来自列奥纳多·达·芬奇的肖像《抱银鼠的女子》。尽管貂的出现包含着许多层层叠叠的含义（对大力神的隐喻，画中人物及其恋人的名字，或对画中人物怀孕的隐喻），但列奥纳多·达·芬奇在他的动物志中提到了貂的“纯洁”：“貂在适度的情况下，每天只吃一次，它宁愿被猎人抓住，也不愿躲进肮脏的巢穴，以免玷污自己的纯洁。”达·芬奇将这种动物纳入作品中，可能是对他个人的偏见和对这种动物的理解的反映。
文艺复兴时期的艺术作品，是一幅丰富的视觉信息拼图，对于21世纪的观众来说，这些信息已经失传了。然而，对于那个时代的人来说，植物、动物和人物之间的视觉联系很可能是可以理解的参照。重新发现这些信息，有助于让这些艺术作品栩栩如生，更全面地理解艺术本身的背景、创作原因、创作方式以及目标受众。
