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浪漫主义时期，通常被认为是19世纪，但其根源可以追溯到18世纪后期，它与个体自我表达以及对启蒙时代强调逻辑和理性的反应密切相关。这一时期也对工业化产生了反叛。浪漫主义文学的代表作包括威廉·布莱克和塞缪尔·泰勒·柯勒律治的作品。
当时的政治动荡和民族主义影响了浪漫主义时期的艺术，包括音乐，例如法国大革命和拿破仑战争。这导致浪漫主义时期作品中出现了四大主要艺术潮流，反映了那个时代的社会和政治气候。
浪漫主义时期音乐的历史背景
浪漫主义音乐的兴起比其他艺术形式要晚得多。一些历史学家认为，这一运动已经从贝多芬开始，他将音乐带入了一个全新的方向。浪漫主义时期的近似日期可以分为两组，起始和结束时间不尽相同：约从1800年到1890年，或从1820年到1900/1910年左右。
浪漫主义文学作品包括威廉·布莱克的插图书籍《天真与经验之歌》（1789年）和塞缪尔·泰勒·柯勒律治的诗歌《忽必烈汗》。浪漫主义文学也被认为是浪漫主义时期产生的起源——浪漫主义诗人和作家摒弃了启蒙运动的理性主义，而偏爱情感上的个人主义。
个人及其情感变得重要起来，像雪莱、济慈和拜伦这样的作家从他们的前辈那里汲取灵感，并在作品中倾注了他们个人的爱与失落。自然世界也是他们作品中的一个重要特征。沿着这种思路，哥特式文学也应运而生，成为对英国维多利亚社会刻板禁忌的逃避。一些学者认为哥特式传统是浪漫主义文学的淡化版本，而另一些学者则认为它是浪漫主义时期的一个子集，但这取决于你的出发点。像埃克托尔·柏辽兹的《幻想交响曲》这样的奇幻作品，其灵感来自于一场幻想的飞翔，就是一个很好的例子。
在政治上，法国大革命和拿破仑战争也发挥了影响：民族主义兴起，民族音乐风格成为宣扬和重拾民族自豪感的一种方式。肖邦的玛祖卡舞曲和波兰舞曲——最重要的波兰舞蹈——成为波兰民族自豪感的象征，因为它们使用了波兰的节奏模式。斯美塔纳的《我的祖国》和西贝柳斯的《芬兰颂》是捷克和芬兰民族主义作为音画的例子。在20世纪，纳粹政府意识到音乐的力量，并（滥）用瓦格纳的音乐作为其民族主义和法西斯政策的背景音乐。
另一个促成因素是工业革命，它始于18世纪50年代的英国，并在19世纪蔓延到美国。突然之间，商品的生产成本降低到了一小部分。中产阶级出现了，他们拥有前几代人几乎没有拥有的两种商品：更多用于追求业余爱好的休闲时间和更多可支配收入。
随着工业革命，材料和乐器设计也得到了改进。钢琴的铸铁框架使得肖邦和李斯特能够创作出超越传统五个八度音程（一个八度音程等于八个音符）的作品——突然之间，他们可以使用七个八度音程了。此外，作曲家拥有更稳定的乐器，音域更广。弹簧、卷制黄铜和阀门等机械创新，加上乐器制造工艺的改进，导致了瓦格纳大号（由理查德·瓦格纳本人构思）等改进型和全新乐器的出现。
浪漫主义时期的管弦乐队
虽然贝多芬在他的《第五交响曲》中，通过加入长号（在最后一乐章）和短笛以及独奏者和合唱团（在他的《第九交响曲》最后一乐章）打破了古典主义的模式，但其他作曲家则进一步突破了极限。
在浪漫主义时期，作曲家试图表达他们的感受和情感——为此，他们需要一个扩展的管弦乐队作为表现的载体。更多的乐器被添加到管弦乐队中，为作曲家提供了丰富的音色。更长、更戏剧化的作品，如歌剧、交响乐和音诗，成为可能。
各种打击乐器被纳入管弦乐队中，例如三角铁、铃鼓和钟声等等。柴可夫斯基在他的《1812序曲》中使用了大炮（点击此处观看大炮的实际效果）——这真是在非传统方面走到了极致！
弦乐部分虽然仍然是相同的乐器组合——小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴——但其重要性却日益提高。通过增加演奏者数量，弦乐部分的细分成为可能。演奏者数量的增加也意味着作曲家可以将弦乐细分为更小的组，以加深织体并为作品增加对比。
一个例子是古斯塔夫·马勒的《第八交响曲》（“千人交响曲”）。至少可以说，管弦乐队的阵容是庞大的——在120名乐器演奏家中，仅弦乐部分就有70人！它还需要两个混合合唱团、一个童声合唱团和八位独奏者。虽然马勒的交响曲创作于1910年，但它让我们了解到，与约有30名音乐家的古典时期管弦乐队相比，管弦乐队的规模得到了怎样的扩展。
民族音乐
虽然交响乐在表面上开始显得臃肿，但作曲家们也创作了更多更细腻的作品来捕捉民族精神。
像肖邦这样的作曲家在他的音乐作品中汲取了他祖国波兰的灵感。他的波兰舞曲与波兰民族主义和他在一生中对祖国的悲剧性情感密切相关。在他的一生中，肖邦创作了十八首波兰舞曲。他的第一首（《波兰舞曲，遗作》）创作于1817年7岁时，最后一首，即《降A大调波兰幻想曲，作品61》创作于1846年。在他的一生中，他的波兰舞曲展现了他日益精湛的技巧、钢琴技艺和作曲技巧。他的玛祖卡舞曲共有57首，是波兰民间音乐元素的综合体，具有表现力的细微之处，并且结构并不复杂。
来自匈牙利的李斯特创作了他的《匈牙利狂想曲》，其基础是他听到的匈牙利西部地区的旋律。虽然他使用的一些旋律并非真正的匈牙利旋律，而是中上层人士或约瑟夫·科索维茨等作曲家的作品，但它们在精神上仍然是匈牙利的。《匈牙利狂想曲》保留了匈牙利吉普赛音乐中发现的许多元素：快慢部分、即兴演奏和匈牙利吉普赛音阶。此外，匈牙利的舞蹈“verbunkos”（一种节奏变化多端的舞蹈）也影响了李斯特的狂想曲。
西贝柳斯的《芬兰颂》，作品26号，有时被解释为代表芬兰这个新兴国家从俄罗斯获得独立——这一事件最终发生在1917年。大部分音乐都充满动荡和激情，象征着这个国家争取独立的斗争。在最后一乐章中，可以听到《芬兰颂歌》，代表着人民最终战胜了他们的俄罗斯统治者。
另外两个例子包括音诗《卡累利阿组曲》，作品26号，和《莱明凯宁组曲》，作品22号。后者取材于芬兰的《卡列瓦拉》，这是一系列基于口头民俗和神话的芬兰史诗诗歌，由埃利亚斯·伦罗特汇编。
然而，并非所有的民族主义都源于作曲家自己的国家。威尔第的《阿依达》以埃及为背景，是由开罗皇家歌剧院委托创作的，而普契尼的《图兰朵》则以中国的帝国为背景。这些作品可以被解释为正如爱德华·萨义德所定义的，异域情调和“他者”的融合，以及对其他文化音乐的探索。
幻想的飞翔：标题音乐的激增
有了更大的管弦乐队和丰富的音色，作曲家们可以表达更广泛的情感、思想和情境。标题音乐并不是浪漫主义时期才出现的“新”发明——其例子可以追溯到文艺复兴晚期。
简而言之，标题音乐有别于绝对音乐，绝对音乐是为音乐而创作的音乐，没有任何额外的含义附加在其上。与之形成对比的是标题音乐，其中外部刺激，如故事、情绪或自然，激发了音乐，并在其中找到了立足点。例如，在电影中，音乐有助于营造特定的氛围和情绪。
文艺复兴晚期的一个例子是威廉·伯德创作于1578年的《战役》。它最初是为键盘创作的，也存在为管乐/铜管乐器合奏改编的版本，也许最能体现这件作品的标题性特征。
巴洛克时期的例子包括维瓦尔第著名的《四季》，它们是小提琴协奏曲，通过一年四季来表现季节，每个季节都配有一首诗。最著名的古典主义例子也许是贝多芬的《田园交响曲》，它描绘了乡村的一天，或者他的作品《威灵顿的胜利》，作品91号，描绘了维多利亚战役。
柏辽兹的《幻想交响曲》因其半自传性质而值得特别提及。它讲述了一个艺术家服用过量鸦片以及他在面临单恋的可能性时陷入精神错乱的故事。对于好奇的人来说，迈克尔·蒂尔森·托马斯有一个经过精心研究的纪录片。作品中最重要的一种音乐理念是柏辽兹所说的“固定乐思”（固定思想）——一个反复出现的旋律主题，代表着主人公。在整个作品中，它随着主人公处境的改变而改变。瓦格纳也在他的歌剧《尼伯龙根的指环》中使用了这个概念，但称之为“导引动机”。
柏辽兹在演出时分发了节目单，以解释音乐理念和故事，帮助观众理解音乐。在五个乐章中，虚构的主人公将经历五个不同的场景，但故事情节对他来说并不乐观。它始于《沉思与激情》（00:00），然后是《舞会》（16:20），接着是浪漫的漫步《田园风景》（23:04）。不幸的是，鸦片诱发的梦境在《赴刑场进行曲》（39:33）中急转直下。如果这还不够糟糕的话，他又经历了《女巫的安息日》（46:48）。可怜的家伙！
歌剧变得宏大而史诗般
随着所有创新的发展、名家演奏者的兴起以及管弦乐队的扩展，早期的浪漫主义时期歌剧也变得更加宏大。除了《阿依达》和《图兰朵》等作品中的异域情调之外，其他作曲家也留下了自己的印记。
浪漫主义时期被称为歌剧的黄金时代——意大利的“美声”（字面意思是美丽的歌声）风格占据了中心地位。美声演唱要求歌手拥有极高的技术控制能力，它催生了歌剧界的女主角和男主角——他们那个时代的明星。在意大利，歌剧主导着音乐舞台，作曲家们凭借其夸张的现实主义（“真实主义”）和对戏剧性的偏爱统治着舞台。
在浪漫主义后期，歌剧达到一个至今仍在影响它的转折点。这都要归功于音乐史上最伟大的名字之一：理查德·瓦格纳。
理查德·瓦格纳凭借其大胆的和声（如“特里斯坦和弦”）、他开创性的导引动机运用以及长达15小时、分为四个晚上演出的《尼伯龙根的指环》将歌剧推向了极致。理查德·瓦格纳还因引入“Gesamtkunstwerk”（“综合艺术”）的概念而受到赞誉。
名家演奏者占据中心舞台
虽然在过去的几个世纪里，教堂或皇室赞助资助了音乐，但作曲家们仍然必须遵守某些既定的理想。工业革命的兴起意味着中产阶级拥有更多可支配收入来在家中举办音乐会。他们也可以参加大型演出场所的音乐会。我们今天所知的独奏音乐会起源于浪漫主义时期——演出将以一位独奏艺术家的作品为中心。
著名的名家包括克拉拉·舒曼、李斯特、帕格尼尼、勃拉姆斯、詹妮·林德和肖邦——仅举几例。教会和贵族赞助的终结使作曲家能够更个性地表达他们的创作冲动。
作曲家演奏家创作了技术性强、要求高的作品，以炫耀他们的技巧和才能，从而震惊观众。“艺术家崇拜”迅速发展起来。像李斯特和詹妮·林德这样的演奏家被提升到“备受推崇的天才”的地位，这与今天的名流相当。李斯特狂热和林德狂热所带来的周边产品，使人们能够购买印有林德名字的家用物品和乐谱，并拥有艺术家的“一部分”。
当然，观众需要理解他们参加的音乐会，因此音乐评论家也变得重要起来。艺术表达、观众的吸引力和理解在演奏家和观众之间造成了紧张关系。音乐评论家帮助普通观众理解演出，并帮助他们了解围绕着他们发生的新音乐世界。
钢琴变得重要起来
在巴洛克时期，拨弦古钢琴并没有受到关注，它被用作伴奏乐器来填充和声。然而，键盘的独奏作品也很重要，但成本意味着很少有家庭拥有这些乐器。
技术的进步改善了拨弦古钢琴的音色，钢琴——现代钢琴的前身——在古典时期开始出现。它的音量仍然不如我们现代的钢琴，但它给了作曲家在作品中指定响亮或柔和的机会。
几乎每个（中产阶级）家庭都有一架钢琴
工业革命导致欧洲和美国中产阶级的兴起。家庭拥有更多可支配收入，家庭音乐制作成为一项流行的消遣活动。家庭会购买钢琴并聘请音乐老师；鼓励儿子学习弦乐器和木管乐器，而女儿则学习唱歌和弹钢琴。
钢琴成为休闲和社会地位的象征。家里的钢琴成为主要的娱乐来源。在音乐录音普及之前，人们不得不依靠现场音乐娱乐。
作曲家开始创作可以在家中使用以娱乐和教育的钢琴作品。业余钢琴家经常会购买由名家钢琴家制作的乐谱版本，以模仿他们的演奏风格。虽然他们不能像他们崇拜的那些演奏家那样完美地演奏音乐，但他们有机会并感到满意地演奏他们喜欢的音乐。
许多著名交响乐和歌剧的钢琴改编版问世。李斯特对贝多芬交响乐的钢琴改编版就是这种现象的一个极好的例子。虽然它们极难演奏，但它们让人们有机会将音乐厅带到家中。
像肖邦和李斯特这样的作曲家将练习曲或“练习曲”提升到新的高度，以炫耀他们的技巧。卡尔·切尔尼的《速度练习曲》，作品299号和《指法技巧练习曲》，作品740号是将钢琴练习提升为一项令人愉快的活动的两个主要例子。
浪漫主义时期重要的音乐形式
在音乐的每个历史时期，都存在着流行的形式和理念，浪漫主义时期也不例外。以下是除上述提到的以外的一些最著名形式的简要选择。
在德国，“艺术歌曲”（复数为“艺术歌曲”）是具有钢琴伴奏的德文诗歌的音乐设定。舒伯特，他像贝多芬一样，介于古典主义时期的最后气息和浪漫主义时期的曙光之间，是艺术歌曲的先驱。歌曲循环越来越流行，舒伯特的《冬之旅》，作品911号是其中最流行的循环之一。
另一方面，阿拉伯风格的乐曲是一种受阿拉伯建筑和文化启发的乐曲。浪漫主义时期异国情调的另一个例子。
夜曲是一种表现夜间情感和意境的性格作品。最初，它打算在晚上户外演奏。爱尔兰钢琴家和作曲家约翰·菲尔德被认为是这种形式的先驱，并在1814年创作了第一首此类作品。它在肖邦的钢琴作品中达到了顶峰。
即兴曲，顾名思义，是一首简短的乐曲，听起来像是演奏者在现场即兴创作的。即兴曲通常是为单一乐器创作的，主要用于钢琴。
后浪漫主义和印象主义
自我表达是浪漫主义时期的核心，同时也是打破古典时期所确立规则的核心。随着19世纪的推移，作曲家和其他艺术家在表达上变得越来越抽象。
艺术家们想要打破前辈们所确立的规则，创造出充满他们通过感官体验所感知的印象的大气作品。印象派画家接受了新的颜料方面的科学进步，并利用它们来精确地再现色彩和色调。
虽然浪漫主义时期注重音色，但德彪西等印象派作曲家则将这些理想进一步推向极致。一个例子是他的作品《沉没的教堂》，它创造了从水中升起的沉没教堂的意象。在教堂沉回水中之前，可以听到吟诵的牧师、敲响的钟声和管风琴的声音，给听众留下了教堂的印象。
浪漫主义时期是音乐史上最受欢迎的时期之一，因为它具有表现力和丰富多彩的曲目。它对讲述充满色彩的戏剧性故事的偏好，为几乎无法定义却又令人舒适的音乐铺平了道路。
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