约翰·巴尔德萨里（John Baldessari）是一位享有盛誉的美国艺术家，于 2020 年辞世，享年 88 岁。 他留下了令人难以置信的艺术遗产，举办过 200 多场个展，并参加了 1000 多场群展。 在 2009 年，他获得了威尼斯双年展终身成就金狮奖，2014 年，巴拉克·奥巴马总统授予他国家艺术勋章。 这位洛杉矶艺术家以其标志性的机智和幽默创作了版画、雕塑、摄影作品、视频和装置艺术。 他的作品以看似简单而简洁的方式提出了深刻的问题。
1. 《这幅画中的一切都被清除》，1968 年
《这幅画中的一切都被清除》 约翰·巴尔德萨里，1966-68 年。来源：图像对象文本。
巴尔德萨里探索了我们如何看待和定义艺术。 在《这幅画中的一切都被清除》中，艺术家明确表达了这一点。 这件作品对传统艺术创作规则提出了质疑，这些规则将价值置于艺术家的艺术技巧以及他们复制现实或捕捉情感的能力上。 在 20 世纪 40 年代和 50 年代，抽象表现主义强调绘画作为艺术家个性和激情的表达。 在20 世纪 60 年代，巴尔德萨里对这些规则和艺术期望提出了质疑。 他委托专业招牌制作人在他作品上绘制字母，并经常借用现有的文字。
《这幅画中的一切都被清除》以反讽和不敬的语气宣称自己是一幅没有意义或图像的画。 这件作品也突出了巴尔德萨里对文字和图像的兴趣，以及两者之间的关系如何创造意义。 这些观念是当时艺术界新运动的核心，这些运动优先考虑概念理解而非纯粹的审美价值。
1968 年，巴尔德萨里完成了《这幅画中的一切都被清除》，同年，他被邀请加入加州艺术学院（CalArts）。 他的作品对这所艺术学校的发展起到了塑造作用。 巴尔德萨里被任命为绘画教授，但他希望采用更广泛的教学方式，并创办了一个名为“后工作室”的项目，鼓励学生探索对艺术的最广泛定义。 巴尔德萨里的教学是他艺术实践的重要组成部分，体现了他对艺术的创造力和包容性态度。 他的一些著名学生包括迈克·凯利（Mike Kelley）、托尼·奥斯勒（Tony Oursler）和戴维·萨勒（David Salle）。
2. 《火化项目》，1970 年
《火化项目》 约翰·巴尔德萨里，1970 年。来源：斯德哥尔摩现代美术馆
1970 年，巴尔德萨里火化了他 1953 年至 1966 年创作的所有绘画作品。 他将这件作品命名为《火化项目》，当时认为它是自己迄今为止最好的作品之一。 这些画作被当地火葬场焚烧，并被记录在照片中。 这些作品还包括一份刊登在当地报纸上的宣誓书，以及用火化艺术作品的灰烬烤制的一罐饼干。 他称这些饼干为“圣体饼”，并在作品的记录中附上了食谱。 一块青铜牌匾详细记录了这些画作的创作日期，以此纪念这些作品。《火化项目》以一种玩世不恭的戏剧性方式，标志着艺术家创作实践的转折点。
这件作品的灵感来自巴尔德萨里对工作室中大量的绘画作品感到厌倦，他越来越不相信只有绘画才能构成艺术。 他思考了绘画中所有组成部分（画布、颜料和材料）回归原地的循环性。 艺术家将这些绘画整体视为需要火化的一个“身体”。
《火化项目》是一件具有里程碑意义的作品。 这件作品淡化了艺术作为物理对象的意义，相反，理念是作品意义的核心。 它标志着对绘画中心地位以及艺术家手工的重要性的一种放弃，而这些观念在在他之前的艺术运动中一直占据主导地位。 从那时起，巴尔德萨里开始在作品中加入照片、电影剧照和视频。
3. 《我将不再创作任何无聊的艺术》，1971 年
《我将不再创作任何无聊的艺术》 约翰·巴尔德萨里，1971 年。来源：纽约惠特尼美国艺术博物馆
《我将不再创作任何无聊的艺术》紧随约翰·巴尔德萨里的《火化项目》之后，标志着他从具象绘画和传统艺术创作方式的决定性转变。 1971 年，加拿大新斯科舍艺术与设计学院邀请巴尔德萨里展出他的作品。 他通过一封信做出回应，指示这所艺术学院的学生在画廊的墙壁上重复写 “我将不再创作任何无聊的艺术”，持续十天。 这种行为模仿了老师惩罚不听话的学生写字的做法，并引起了人们对传统艺术教学模式中所体现的复制和重复现象的关注。 巴尔德萨里录制了自己在录像带上手写这句话，并把它寄给了学院，学生们根据这页手写文字制作了一张版画。 巴尔德萨里没有参加展览，也没有参加版画制作的研讨会。
《我将不再创作任何无聊的艺术》是艺术家的第一张版画。 版画创作将成为巴尔德萨里艺术实践的一个关键部分。 这件作品体现了巴尔德萨里的概念性关注。 质疑作者身份的概念，这件作品没有与艺术家的手绑定在一起。 它以艺术家做出的创作决定为中心，而不是物质对象本身。 巴尔德萨里在 20 世纪 70 年代的其他电影和表演作品中探索了这些想法。 例如，在《我正在创作艺术》中，艺术家做了一系列手臂动作，并在每次动作之后宣称“我正在创作艺术”。
4. 《倒下的画架》，1988 年
《倒下的画架》 约翰·巴尔德萨里，1987 年。来源：纽约布鲁克林博物馆
在 20 世纪 80 年代，巴尔德萨里开始在他的作品中使用发现的图像，包括广告、电影剧照和照片。 艺术家随后收集了大量的电影剧照档案，并按主题进行分类。 这种挪用形式将成为他创作实践的核心，并影响了后代艺术家，特别是那些属于“图片”运动的艺术家。 例如，著名艺术家辛迪·舍曼（Cindy Sherman）将巴尔德萨里视为她创作实践的关键影响因素。
在《倒下的画架》中，巴尔德萨里选择、排列和并置了一系列电影图像。 这件作品是石版画和丝网印刷，印刷在纸张和感光铝板上。 构图故意倾斜，图像被裁剪。 艺术家用他标志性的主色调点来遮盖部分人物的面孔。 意义被掩盖，清晰的叙事被有意地破坏。 我们被留下来在场景和人物之间建立联系。 在大众文化日益以大量大众媒体图像为特征的时代，巴尔德萨里要求观众通过在图像意义中制造空白来质疑我们如何解读图像。
《倒下的画架》局部 约翰·巴尔德萨里，1987 年。来源：明尼阿波利斯沃克艺术中心。
巴尔德萨里对版画创作的关注以及对挪用的材料和块状色彩的使用赋予了他的作品一种波普艺术感，同时也探索了围绕图像功能和意义创造的概念性问题。 巴尔德萨里最初使用在工作室找到的减价贴纸来遮盖电影剧照和照片中的人物面孔。 他使用的亮色点将成为艺术家的标志，是重新诠释图像和转移观众注意力的一种关键工具。
5. 《表面上（第五状态）》，2006 年
《表面上（第五状态）：棉花糖兔子、灰色兔子、棕色兔子》 约翰·巴尔德萨里，2006 年。 来源：斯普鲁斯·玛格斯
《表面上（第五状态）》是巴尔德萨里《表面上》系列的最后一组作品。 在这个系列中，艺术家使用了电影剧照、色彩和文字。 在《表面上（第五状态）：棉花糖兔子、灰色兔子、棕色兔子》中，一张表现力丰富的面部特写与对用来为图像着色的颜色的详细描述并列在一起。 拉丁语术语 “Prima Facie” 翻译成 “乍一看”。 这件作品探索了我们如何通过语言、面部表情和色彩来感知意义和情感。
在这个系列中，艺术家通过结合看似不和谐的文字和图片来玩弄不和谐。 例如，一个男人的仰视面孔呈现出玫瑰粉红色，令人困惑地被标为 “棉花糖兔子”。 观众被留下来审视他们对颜色、面部表情和文字的反应，并构建自己的叙事。 图像和文字都很大，赋予它们相同的重量和意义。 通过将图像和文字去语境化，并重新赋予其语境，巴尔德萨里使它们能够以新的、往往是幽默的方式发挥作用。
约翰·巴尔德萨里与其作品肖像。 来源：Mixographia
在与他以前的学生、艺术家戴维·萨勒的一次访谈中，巴尔德萨里曾经说过：“我在极度简单和令人抓狂地复杂之间来回徘徊。” 巴尔德萨里的作品将这种张力维持在适当的位置。 巴尔德萨里运用看似简单的手段和简约的视觉语言，创造出具有审美力量的作品，这些作品对图像、语言和意义之间的关系提出了疑问。
