意大利文艺复兴，艺术史上一个令人叹为观止的阶段，孕育了无数举世闻名的杰作。它横跨几个世纪，影响波及艺术、科学等领域，最终传遍整个欧洲。虽然想要简洁地概括文艺复兴的全部内涵并非易事，但一些风格和理念上的共通点贯穿于这一时期的大多数艺术作品中，成为了其鲜明的标志。
古典艺术的“重生”
洛伦佐·吉贝尔蒂创作的《天堂之门》中，以扫与雅各布的细节。
文艺复兴的兴起，离不开对古希腊罗马文明的重新发掘。罗马帝国衰败后，这些文明的宝贵遗产一度被遗忘，而随着文艺复兴的浪潮，它们重见天日。这一“重生”首先从文学领域开始，逐渐渗透到艺术领域。许多早期文艺复兴时期的艺术家在创作中模仿古典主义的审美理想，更加注重写实性，尤其是在绘画中，他们追求对三维形态的逼真描绘，这与文艺复兴前中世纪的艺术风格截然不同。到了15世纪，洛伦佐·吉贝尔蒂的《天堂之门》以及多纳泰罗的《大卫》，充分展现了古典主义对艺术实践的影响，塑造了更加写实的体态描绘，以及服饰的刻画、人物的姿势和戏剧性。
对人体解剖的关注
达芬奇的人体解剖研究。
令人惊叹的是，许多艺术家在试图以更加写实的手法描绘人体雕塑时，都成为了解剖学领域的先驱。在16世纪初之前，一些艺术家甚至比当时大学教授对人体解剖学的了解更加深刻。乔尔乔·瓦萨里在《艺术家列传》中写道，佛罗伦萨雕塑家安东尼奥·波拉尤洛通过解剖人体来研究肌肉的形态。后来，米开朗基罗和莱昂纳多·达·芬奇都以其精深的解剖学知识而闻名，他们的艺术作品也反映了他们对人体构造的深刻理解。这种对写实性的强调，使艺术家们能够以一种真实而生动的方式描绘真实的肖像和圣经故事中的人物。
自然主义
莱昂纳多·达·芬奇的《岩石圣母》，创作于1492-9年和1506-8年。
除了对人物的写实描绘和古典主义风格的影响外，文艺复兴时期的艺术家们还致力于描绘自然世界的真实之美。这源于人们对世界及其与人类互动方式日益增长的兴趣。例如，在莱昂纳多·达·芬奇的许多作品中，我们可以看到他对植物学和地质学的细致观察和理解，他以惊人的精准度捕捉了光线照射在植物、岩石和水体上的效果，为其神秘的肖像画营造出梦幻般的背景。
个人主义的崛起
拉斐尔创作的《教皇利奥十世与两位红衣主教的肖像》，创作于1518-1520年。
文艺复兴时期政治和经济环境的转变，使人们越来越重视个人在社会中的作用。意大利城邦中崛起的强大的中产阶级获得了更大的经济自由，这催生了自我表达和个人成功的渴望。美第奇家族等富有的商人家族为最有才华的新兴艺术家提供丰厚的资助，这赋予了艺术家们充分的空间来发展和超越，许多艺术家在多个领域都取得了非凡的成就。
许多最成功的艺术家脱颖而出，他们的独特艺术风格传遍意大利乃至欧洲。对个人在社会中作用的强调，也反映在许多文艺复兴时期艺术作品的主题中，这些作品展示了现实生活中的人们，并将其置于逼真的环境中。
透视法的运用
莱昂纳多·达·芬奇创作的《最后的晚餐》，创作于1495年至1498年。
意大利文艺复兴时期，线性透视法的出现对艺术家们用平面表达空间、光线和深度的能力产生了深远的影响。艺术家们使用一个，后来又使用多个透视点，以精确而有序的方式构建画面，在壁画和天花板上创造出广阔的室内或室外空间的幻觉。他们意识到线性透视法为以舞台布景般的戏剧性表现故事提供了无限的创造性可能性。
平衡与对称
拉斐尔创作的《雅典学院》，创作于1509-1511年。
平衡与对称是古典希腊罗马艺术的鲜明特征，意大利文艺复兴时期的艺术家和设计师们继承了这一传统。许多艺术家，尤其是在意大利文艺复兴后期，采用了理性几何图案和布局，以创造出和谐、简洁和秩序的视觉效果。他们通过对称设计，运用重复的形状和图案，呼应了文艺复兴建筑中拱形结构和秩序井然的柱廊。
