将自身身份融入创作表演的概念，是现代性的产物。从那时起，我们开始将男性和女性艺术家都视为特立独行的公众人物，他们的身份与他们的艺术密不可分。想想戴着胡子和宠物豹的达利，散发着工人阶级气息的毕加索，以及戴着假发和眼镜，玩世不恭的安迪·沃霍尔。
1. 塔玛拉·德·兰皮卡
塔玛拉·德·兰皮卡《自画像（塔玛拉身着绿色布加迪）》，1929 年。来源：Arthive
虽然将艺术家自我作为创作实践的一部分的例子大多与男性有关，但一些女性艺术家也采用了这种方法，并以不同程度的强度践行。她们的表演并非一定是为了更广泛的公众，有时是为了协调她们的内心自我与世界。
传奇的装饰艺术肖像画家塔玛拉·德·兰皮卡，逃离了俄国革命的血腥，来到巴黎时身无分文，身心俱疲。作为正在学习的业余艺术家，兰皮卡发明了一种公关策略，很快让她声名鹊起。她从一位默默无闻的东欧移民，变成了一个光彩照人、特立独行、挥金如土的上流社会名媛。她的穿着必须无可挑剔，她的举止必须足够优雅，才能被上流社会接纳，同时又要足够大胆，传达出真正现代女性的性解放和情感自由。她以富有的、漫不经心的社交名媛的形象示人，这帮助了她的事业，但也无可挽回地损害了她与家人的关系。多年以来，她拒绝公开承认女儿基泽特的存在，害怕女儿的存在会影响她的机会。
塔玛拉·德·兰皮卡，约 1934 年。来源：Paper City
她的自画像旨在加强现实中无法修复的方面的印象。她那幅著名的身着绿色布加迪的自画像几乎完全是虚构的。塔玛拉·德·兰皮卡买不起时尚的布加迪，她开的是一辆普通的黄色雷诺。然而，这幅描绘她理想自我的画作登上了许多光鲜亮丽的杂志封面，使兰皮卡成为当时最受欢迎、最炙手可热的艺术家之一。
2. 罗曼·布鲁克斯
罗曼·布鲁克斯《自画像》，1923 年。来源：史密森尼学会，华盛顿
与兰皮卡相反，罗曼·布鲁克斯对公开宣传毫不关心，至少表面上是这样。她是一个受到创伤、喜欢隐居的人，不喜欢参加社交聚会，在人际关系上也 notoriously 难以相处。在现实生活中，她看起来就像从她那单色、素雅、严谨的画作中走出来的，穿着定制的男性礼服。
罗曼·布鲁克斯。来源：史密森尼学会，华盛顿
布鲁克斯感知世界的主要策略是超然和看似漠不关心的观察。她试图实现完全的客观性，因此抑制了自己的情感，避免了依恋。她的创作策略是她童年创伤和虐待她的母亲的产物。为了克服创伤模式，她对自己的生活采取了一种超然的态度，这有助于她的艺术创作，但并没有带来她想要的感情上的慰藉。
3. 爱丽丝·冯·弗莱塔格-洛林霍芬
爱丽丝·冯·弗莱塔格-洛林霍芬《上帝》，1917 年。来源：方尖碑艺术史
达达女王爱丽丝·冯·弗莱塔格-洛林霍芬，在她的一生中被 unfairly 地贬低，在她去世后被遗忘，也许是她那个时代最伟大的艺术创造力，对许多艺术趋势、运动和概念负责。尽管她被称为女男爵，但她并非出身名门望族，她的头衔来自于一段短暂而不幸的婚姻。在她生命的大部分时间里，她都生活在贫困中，用垃圾和随机找到的物品制作出难以置信的服装。她激励了马塞尔·杜尚开始使用现成品，并在他作品中探索性欲和规范的本质。
爱丽丝·冯·弗莱塔格-洛林霍芬女男爵。来源：米娜·洛伊
爱丽丝·冯·弗莱塔格-洛林霍芬女男爵的公众形象几乎完全依赖于她的性欲和 insatiable 的生理需求。她不是人类，而是一台不停运转的机器，一个存在于美学标准和规范之外的仿生人。她剃光了头，涂上了绿色漆，用番茄罐头作为胸罩，用浴帘环作为手镯。她粗俗的幽默，她对身体问题的坦率态度，以及她富有挑衅性的性行为，将美丽和令人厌恶融合在一起。虽然女男爵的作品没有多少流传下来，但她对周围社交圈的影响却是不可估量的。
4. 弗里达·卡罗
弗里达·卡罗《断裂的柱子》，1944 年。来源：Arthive
弗里达·卡罗的身体是她在与痛苦、创伤、残疾和民族身份相遇中产生的直接结果。她的花冠、辫子和蓬松的裙子，与她的艺术作品一样，巩固了她在人们心目中的形象。如今，卡罗的面孔是流行文化中最常被复制和引用的形象之一。一些专家认为，她的裙子也充当了保护屏障，用来掩盖卡罗的残疾，或者将她变成一座活生生的纪念碑，就像她著名画作中的柱子一样。
弗里达·卡罗。来源：拉丁美洲艺术博物馆，长滩
然而，墨西哥原住民的活动家批评卡罗，认为她参与将当地各种文化同化为单一的墨西哥印第安人品牌。这种综合的异国情调的形象导致了墨西哥文化流行起来，但也抹去了其复杂的内涵。弗里达·卡罗著名的特瓦纳裙子更多是一种时尚选择，而不是个人声明：卡罗表示，她与特瓦纳特佩克地区没有联系，那里是这些裙子的起源地，她甚至从未去过那里。因此，卡罗的反殖民立场，来自于一个具有西班牙和德国血统的人，仍然依赖于西方对墨西哥文化的看法，认为它是一种统一的、同质的文化。
5. 雷梅迪奥斯·瓦罗
雷梅迪奥斯·瓦罗《通往塔楼》，1960年。来源：Arthive
出生于西班牙的艺术家雷梅迪奥斯·瓦罗是巴黎超现实主义流派的一员。随着第二次世界大战的爆发，她和其他圈内的艺术家一样，不得不逃离欧洲。在弗里达·卡罗的帮助下，她和其他的艺术家在墨西哥定居下来，在那里超现实主义不仅仅是一种流行的运动，更是日常生活的体现方式。正是从那时起，雷梅迪奥斯·瓦罗开始重新塑造和思考现实。她的艺术变成了她自身的直接延伸，而她自身也与她的艺术一样超现实。
雷梅迪奥斯·瓦罗，由卡蒂·霍尔纳拍摄的照片，1957 年。来源：纽约时报
她和她的朋友莱奥诺拉·卡林顿一起，从当地人那里学习了原住民的魔法，解读梦境，并进行各种仪式。瓦罗性格安静而神秘，完全沉浸在潜意识的世界中，从精神的角度看待世界。对她来说，魔法只是现实的另一个方面，神话与现实不可分割。她为她的朋友制作护身符，在她家里收集看似随机的物品，确信它们具有精神力量。虽然她的身份并没有直接的公开表演意图，但它仍然是她构建的另一种艺术方法，是她用来改造世界的一种棱镜。
6. ORLAN
ORLAN《圣·ORLAN 的转世》，1990-93 年。来源：Far Out
我们名单中最激进的例子，法国概念艺术家 ORLAN 在利用她的身体作为艺术工具方面走得更远。自 20 世纪 60 年代开始她的职业生涯以来，女性的身体一直是她主要的工具和主题。她的身体实际上成为了她的画布，在整形外科医生的帮助下，她的身体被改造和重塑。
ORLAN。来源：AWARE 女性艺术家
她在 20 世纪 90 年代迈出了最激进的一步，她决定进行一系列整形手术，所有手术都进行了拍摄和广播，这些手术会改变她的脸和身体。ORLAN 没有迎合流行文化的审美标准，而是用经典的艺术作品作为她的参考点。外科医生根据波提且利的《维纳斯》为她塑造了新的下巴，根据《狩猎女神戴安娜》为她塑造了鼻子。这个项目既是宗教殉道行为，是对美容实践的评论，也是对现代医学进步的庆祝。
7. 玛丽娜·阿布拉莫维奇
玛丽娜·阿布拉莫维奇《节奏 5》，1974 年。来源：纽约古根海姆博物馆
这位著名的塞尔维亚裔艺术家，是表演艺术身份如何被商业化并发展成个人品牌的绝佳例子。她在 20 世纪 70 年代凭借一系列激进而有争议的表演而闻名，这些表演挑战了肉体的极限，探索了暴力、忍耐和控制的概念。她的艺术作品本质上是复杂的萨满仪式，通常依赖于扰乱和操纵观众。
玛丽娜·阿布拉莫维奇。来源：卫报
玛丽娜·阿布拉莫维奇说，她发明和坚持表演作品的关键方法是进入一种特定的意识状态，在精神层面上连接到当下。 “阿布拉莫维奇方法”很快成为她的标志性特征和创作策略，并在艺术机构教授。多年来，“阿布拉莫维奇方法”从一种创作工具变成了无所不包的生活方式，可以按需购买和体验。事实证明，阿布拉莫维奇所说、所做和所创造的一切都是该方法的一部分，包括一套带有艺术家面孔的鼓舞人心的说明卡片和一条抗衰老护肤品系列。
