二十世纪二十年代是一个充满活力和变革的时代，战后焦虑与对新世界的兴奋交织在一起。有些人致力于创造未来的审美语言，而另一些人则在当下寻找自我。装饰艺术风格雄心勃勃地将自己呈现为那个时代最具代表性的流行风格。与此同时，知识分子围绕爵士乐、政治和精神探索构建新的哲学体系。让我们一起探索定义了咆哮的二十年代的六种文化趋势。
1. 装饰艺术：咆哮的二十年代的典型美学
塔玛拉·德·兰皮卡的《自画像》（塔玛拉身着绿色布加迪），1929 年。来源：Arthive
装饰艺术的简洁现代性是未来主义和立体主义艺术运动的自然而然的演变。立体主义的严格几何和未来主义对高端技术的推崇，融合了多种审美影响，包括古埃及和日本艺术及建筑。装饰艺术的动态角度写实主义，以其丰富的装饰和令人愉悦的对称，成为了高度智化的现代主义艺术的终极替代品，而现代主义艺术对视觉元素的关注要少得多。塔玛拉·德·兰皮卡的绘画、梵克雅宝的珠宝以及克莱斯勒大厦雄伟的镀铬外观，在当时同样令人印象深刻。
克莱斯勒大厦插图，约 1935 年。来源：史密森尼杂志
装饰艺术是一种涵盖所有可能的人类活动领域的包罗万象的风格。从某种程度上说，它是一种销售现代和富裕生活方式的品牌。与构成主义建筑或包豪斯学者理论上的思辨不同，装饰艺术从未有过解释自身或证明其存在的必要。它纯粹是享乐主义、逃避现实和奢华的。这种风格让其受众能够逃脱战后焦虑的困扰。
2. 表现主义艺术与电影
《街头场景》，恩斯特·路德维希·基希纳，1913 年。来源：苏富比拍卖行
表现主义艺术是二十年代最具争议的趋势之一。它以其原始、戏剧性和原始性，表达了现代时代的焦虑和恐惧。恩斯特·路德维希·基希纳、奥斯卡·柯克西卡和弗朗茨·马克等艺术家牺牲了写实主义图像，转而追求情感强度。他们使用鲜艳的色彩，用霓虹绿和天蓝色以及深红色来表现皮肤。他们的笔触凌乱，角度锐利，人物形象类似于非洲仪式面具。非西方艺术，尤其是非洲艺术，以其相对的简洁性和与西方绘画规范无关的直接戏剧性，影响了表现主义者。一些艺术史学家坚持认为，尽管表现主义绘画确实是一场革命性的运动，但在本质上它并非完全是新的。文艺复兴时期伟大的画家埃尔·格列柯几个世纪前就已经运用了相同的扭曲线条和色彩来表达情感的理念。
电影《卡里加里博士的小屋》剧照，导演罗伯特·维恩，1920 年。来源：纽约现代艺术博物馆
德国表现主义电影是一个重要的文化领域，它定义了这个十年，并在艺术史上留下了深刻的印记。在一战期间，德国当局禁止发行外国电影，这导致了当地电影产业的发展，尽管预算有限。随着德国战败，压倒性的焦虑和悲伤情绪催生了一种新的电影形式，它以人物的内心情感为中心，而非客观现实。
3. 哈莱姆文艺复兴与爵士时代
埃拉·菲茨杰拉德演出，约 1930 年代。来源：城市杂志
二十世纪二十年代也是非裔美国文化蓬勃发展的时期，通常被称为哈莱姆文艺复兴。它在非裔美国人社区经济繁荣和当地中产阶级的兴起中发展壮大，其中既有非裔美国人，也有移民。当地的创意人士致力于创造一种摆脱种族刻板印象的文化，一种与他们的邻居相关的文化。哈莱姆的诗人、作家、艺术家和雕塑家以非裔美国人的身份、种族暴力、隔离和奴隶制后遗症的斗争为中心创作作品。奥古斯塔·萨维奇是哈莱姆文艺复兴时期最著名的雕塑家之一，她的生活和艺术定义了这个文化时代。
雕塑家奥古斯塔·萨维奇与她的雕塑《实现》合影，约 1938 年。来源：Blackpast
爵士乐是源于非裔美国人社区的另一个文化里程碑。爵士乐几乎成了二十年代文化的代名词。爵士乐起源于美国南部，从一种当地的民间音乐形式演变为一种世界闻名的现象。这种充满情感、复杂和具有解释性的音乐流派成为了这个十年的主要配乐。
4. 超现实主义
《恋人》，勒内·马格利特，1928 年。来源：纽约现代艺术博物馆
超现实主义艺术运动起源于世纪之交对精神世界和新兴精神病学学科的探索。在几十年前，灵媒们在试图与鬼魂和精神世界接触时，使用自动写作和绘画。二十年代，超现实主义艺术家和作家重新诠释了这些行为，将其视为潜意识的表达形式。因此，探索的重点转向内在，优先考虑个体意识，而不是物质世界的共享空间。超现实主义探索了人们内心深处的黑暗角落，即被深深压抑的欲望、恐惧和焦虑。它在一定程度上发展自达达主义的歇斯底里的荒谬。
电影《机械芭蕾》剧照，费尔南德·莱热，1924 年。来源：IMDb
尽管超现实主义通常与绘画和文学联系在一起，但它是一种包罗万象的运动，包括电影、雕塑和时尚。著名的时装设计师艾尔莎·斯奇帕雷利是这场运动的重要参与者，也是最初将超现实主义的原则转化为织物和装饰语言的创造者。尽管存在体制性障碍，但女性艺术家积极参与了超现实主义，并在许多方面定义了它。多拉·玛尔和凯蒂·霍纳等大师的超现实主义摄影作品成为了当代时尚摄影的基础。
5. 包豪斯
包豪斯学生坐在马塞尔·布鲁耶设计的椅子上，1926 年。来源：爱马仕企业基金会
尽管包豪斯经常被错误地归类为艺术运动，但它是一个雄心勃勃的教育项目——一所进步的艺术学校，其目标是将个人艺术视野与工业生产结合起来。它由著名建筑师沃尔特·格罗皮乌斯于 1919 年创立，在被纳粹当局关闭之前，它只存在了短暂而辉煌的 24 年，当时它被视为犹太左翼知识中心的中心。包豪斯学生被教导从物体的预期功能中发展形式。建筑本身反映了教学的原始和现代方法。讲座在一个开放的空间举行，可以通过移动的隔板进行分割或扩大。也许包豪斯学院最宝贵的财富是其学术人员，他们是由那个时代最具进步的艺术家组成的，如瓦西里·康定斯基和保罗·克利。
《七种光度和十二种色调的色球》，约翰内斯·伊顿，1921 年。来源：纽约现代艺术博物馆
尽管包豪斯以其严谨的极简主义和实用主义方法而闻名，但其意识形态与形而上学的事物并不相距太远。相反，许多教授都与神秘主义和灵性主义有关联。康定斯基参与了人智学这一准科学运动，该运动旨在发展一种有意识的存在状态，并与自然力量互动。康定斯基也是一位杰出的艺术理论家，他探索了视觉艺术的精神成分。另一位包豪斯传奇人物、瑞士设计师约翰内斯·伊顿是备受争议的马兹达兹南新琐罗亚斯德教教派的成员。
6. 构成主义：共产主义的咆哮的二十年代
《第三国际纪念碑》（塔特林塔）图纸，弗拉基米尔·塔特林，1920 年。来源：Smarthistory
构成主义艺术和设计旨在摒弃传统的高雅艺术标志和组成部分，这些标志和组成部分不可避免地植根于精英主义和阶级分化。为了让艺术变得触手可及，让每个人都能理解，构成主义依赖于简单的几何形式和主色调。所有元素都必须具有功能性，但也需要展现新社会变革的力量。新的审美语言依赖于工业生产的可能性，而不是工艺，其理念是立即和广泛地提供商品。尽管旨在实用，但构成主义建筑并非没有雄心勃勃且令人困惑的行为表现，例如著名的塔特林塔，这个荒谬的乌托邦式的旋转办公空间结构。
纺织品设计，瓦尔瓦拉·斯捷潘诺娃，1924 年。来源：方尖碑艺术史
构成主义审美意识形态最显着的应用之一是早期苏联纺织品设计。在革命之前，俄罗斯帝国的纺织工业繁荣发展，提供种类繁多的织物。随着富有的制造商被迫逃离俄罗斯，生产停滞不前，需要新的发展动力。柳博夫·波波娃和瓦尔瓦拉·斯捷潘诺娃等女性艺术家承担了创造新的现代纺织品印花的任务，以满足苏联消费者的审美和功能需求。几何图案和视觉错觉成为斯捷潘诺娃纺织品设计的基石。
