巴洛克音乐起源于意大利，并在 1545 年至 1653 年的 特伦特宗教会议期间确立。会议的目标很简单：如何激励人们追随天主教信仰，回到教会的怀抱？新教徒选择简单，而天主教则奉献奢华的艺术和戏剧，这几乎无人能抗拒。
文艺复兴时期的音乐风格较为简单，而在早期巴洛克时期，音乐风格发生了翻天覆地的变化，创造出奢华的音乐，将人们的情绪推向新的高度。
告别文艺复兴：巴洛克时代的诞生
虽然（晚期）文艺复兴艺术注重自然主义，但巴洛克时代却引入了戏剧性、光影、动感和对比。其艺术作品吸引着观众，邀请他们体验作品中人物的情绪。
卡洛·杰苏阿尔多 (1566-1613)，韦诺萨亲王和康萨伯爵，就是一个将晚期文艺复兴风格推向极致的作曲家。他的音乐以戏剧性的情感表达、线性半音阶、断裂的织体和和声自由为特点。
杰苏阿尔多的音乐以其独特的实验性声音而著称，这种声音直到 19 世纪才再次出现，由伊戈尔·斯特拉文斯基等作曲家引入。他的音乐横跨文艺复兴的终结和巴洛克时期的开始。
下面是他的著名麦德格尔作品之一，Moro, lasso, al mio duolo (“我将在痛苦中死去，可怜的，我”)。
这个来自西密歇根大学的交互式时间轴展示了文艺复兴如何让位于巴洛克。当您点击一个术语时，它将带您到一个定义它的学习指南。点击姓名或标题将导航到详细的讨论和相关的 YouTube 表演片段。
传统上，巴洛克时期可以分为三个主要时期，每个时期之间有重叠的部分。它们分别是 1580 年到 1630 年的“早期巴洛克”，1630 年到 1680 年的“中期巴洛克”以及 1680 年到 1730 年的“晚期”或“高级巴洛克”。
早期巴洛克时期：约 1580 年到 1630 年
早期巴洛克从文艺复兴中发展而来；复兴古希腊和古罗马等古典国家的理想是佛罗伦萨卡梅拉塔的首要议程。卡梅拉塔是一个影响所有音乐环境领域知识分子团体。他们强调单音 (单旋律伴奏)，后来被称为“第二实践”(seconda pratica)。
文艺复兴时期提供了丰富的、奢华的、复调音乐（被称为“第一实践”，或prima pratica），但卡梅拉塔认为它分散了对文本的注意力。帕莱斯特里纳的Missa Papae Marcelli 通常被引用为prima pratica 的一个例子。
帕莱斯特里纳的弥撒是为了纪念教皇马尔切洛二世而创作的，据信创作于 1562 年。弥撒以其清晰、宣叙调的风格和对不和谐音的谨慎使用而著称。它的创作是为了向特伦特宗教会议表明复调音乐（同时发出多个声部的音乐）仍然值得在教堂使用。会议担心世俗歌曲已经进入教堂，分散了人们的敬拜。此外，世俗歌曲有时被用作cantus firmus （预先存在的旋律或圣歌）。
早期巴洛克作曲家蒙台威尔迪通常被认为创作了第一部歌剧，L’Orfeo（1607 年上演），但这并非全部真相。第一部上演歌剧的荣誉属于雅各布·佩里的达芙妮——1598 年上演。这是一次试图恢复希腊戏剧，并设定新的标准。虽然它与希腊人认可的风格不同，但它为一个持续发展的类型奠定了基础；甚至直到我们自己的时代。现存的第一部歌剧是佩里的尤里迪斯。
是什么让蒙台威尔迪的歌剧与它的前辈如此不同？他大胆地接受了音乐中的人文主义思想：音乐是人类的表达，不同的情绪可以通过不同的乐器来表达。此外，与其他早期巴洛克作曲家相比，他使用了大型管弦乐队，并且不同的乐器组被用来为舞台上的场景创造气氛。田园场景伴随着竖琴、羽管键琴、弦乐和长笛，而地下世界场景则由厚重的铜管乐器演奏。
中期巴洛克： 1630 年到 1680 年
欧洲的中央宫廷，被称为绝对主义时代（与启蒙运动时代同时），是定义中期巴洛克时期最突出的特征之一。法国国王路易十四是这个时期的代表人物——他的宫殿和宫廷制度成为欧洲其他国家效仿的典范。
公共音乐的需求受到多种因素的推动：国家和教会资助、乐器日益普及以及室内乐的兴起（可以在宫殿房间里演奏的小型合奏的音乐）。泰勒曼的Tafelmusik/Musqiue de Table 是这个时期室内乐的典型例子。它针对的是富有的赞助人和音乐爱好者。Tafelmusik 套曲旨在伴随用餐，因此得名“餐桌音乐”。
在意大利，像康塔塔、歌剧和清唱剧这样的形式在 1630 年代左右开始流行起来，并在欧洲各地传播。旋律和和声平等伴侣的新概念意味着音乐本身的地位与歌词平等。以前，重点是让歌词优先，而音乐只是伴奏。库兰特和萨拉班德等舞蹈形式影响了旋律的创作方式，并导致了终止式音乐短语的兴起。
让-巴蒂斯特·吕利 (1632-1687) 就是一位杰出的宫廷风格作曲家。他也精明能干。他从君主那里购买了专利，这使他成为国王唯一的歌剧作曲家，并阻止其他人上演自己的作品。他的音乐以其在快速乐章中的强劲活力和在悲伤乐章中的情感深度而闻名。
他没有建立以弦乐为主的管弦乐队规范——这是从意大利人那里继承的。然而，吕利经常在作品中用长笛、双簧管和长笛加倍上弦部分，并且用低音管增强（或加倍）低音弦部分。喇叭和小鼓经常被用来描绘英雄场景。
高级巴洛克： 1680 年到 1750 年
当 J.S. 巴赫于 1750 年去世时，仿佛整个巴洛克时代都随着他一起消亡。比喻地说。虽然 J.S. 巴赫坚守着自己的作曲理念，但其他作曲家已经开始抛弃巴洛克的原则，并拥抱未来：古典时期（约 1750-1800 年）。
早期巴洛克注重清晰，避免了文艺复兴时代交织在一起且几乎漂浮的复调声部。高级巴洛克则拥抱了所有可能的戏剧性，高度装饰的音乐再次流行起来。
安东尼奥·维瓦尔迪今天或许最出名的是他的作品四季。它是作为“标题音乐”创作的，每个乐章都伴随着一首十四行诗，描述了各个季节的景色和声音。您可以在这部作品中听到许多巴洛克时期的特点：装饰、对旋律的关注、鲜明的力度对比以及整体巴洛克精神的戏剧性影响。维瓦尔迪还为威尼斯的慈悲医院创作了许多宗教音乐。
巴洛克时期音乐发展的重要事件
随着蒙台威尔迪和他的同时代人将文艺复兴推向过去，并拥抱seconda pratica，巴洛克时代的根基牢固地确立了。
对比
当您观看巴洛克时期的绘画时，您会注意到明暗之间的对比。戏剧性的对比也是巴洛克音乐的显著特征——慢速与快速节奏、对比鲜明的合奏（少量乐器与大型乐团对比，或合唱团与乐器对比），以及鲜明的力度对比——从柔和到响亮，或反之亦然：“阶梯式力度”（在下面的视频片段中 00:42 开始有一个例子）。
然而，一旦一首作品以某种情绪开始，就不会转变为另一种情绪，它将贯穿始终。由于作品变得越来越长，它们被分成具有对比元素的独立乐章。一个乐章将具有一个主导的节奏和情绪，以唤起情感反应。作曲家试图捕捉的情感反应与一个被称为“情感理论”的概念相一致。
低音重复段
仅仅对比并不能使巴洛克音乐具有戏剧性，它还需要其他元素来推动戏剧发展。低音重复段——重复的低音线，在其上叠加变奏（例如 J.S. 巴赫的夏康舞曲，BWV1004，或亨德尔的萨拉班德，来自D 小调键盘组曲，HWV 437）——被用来增强张力。
虽然低音重复段不是在巴洛克时期发展的，但它却达到了顶峰。低音重复段在西方音乐中，早在 13 世纪就已使用，通常用于舞蹈形式。
亨利·珀塞尔的咏叹调，Dido’s Lament（也称为When I am Laid in Earth），出自他的歌剧狄多与埃涅阿斯，是充满巴洛克风格情感和戏剧性表达的典型例子。低音重复段提供了结构，简单的、优雅的旋律应该在上面激荡听众的情绪。这首咏叹调在歌剧结尾演奏，当时狄多意识到埃涅阿斯背叛了她，它代表了她最后的告别，同时她接受了自己的死亡。
旋律
旋律变得很重要，为了让旋律占据中心位置，通奏低音（“持续低音”）成为巴洛克音乐的显著特征。通奏低音通常由大提琴或维奥尔琴之类的旋律低音乐器与羽管键琴或管风琴之类的键盘乐器一起演奏，形成即兴的和声伴奏。
这些乐器通常根据数字低音演奏，数字低音是用音乐速记表示垂直和声和弦。彼此相继出现的和声进行（为旋律提供基础）变得越来越重要。
装饰和点缀
巴洛克建筑可以被视为装饰性建筑，它既“宏伟、戏剧性、充满对比的表面、大量的曲线、扭曲和镀金雕像”（Anisia Iacob）。诚然，建筑很难“感动人的情感”，但巴洛克时期的美妙之处就在于此——它是过去所有元素的集大成，“终极掌握的体现”，被铸造在一个宏伟的模具中。
当我们想到在某物上添加装饰时，它会让人联想到建筑、绘画或服装中的装饰。然而，对于巴洛克时期的作曲家和音乐家来说，它是移动情感的工具。
装饰可以分为两大类：
1. 装饰，如颤音（在下面的视频中 00:11 处）、转音（在 00:59 处）、装饰音（在 00:20 处）和倚音被添加到某些音符上，以强调音乐中的重要部分。可以在此处找到更深入的解释和音频示例。一些学者认为，这种做法被扩展到了“延长”某些音符的音长，因为由于乐器固有的发声特性，声音不会像预期的那样持续。
2. 更精细的装饰包括音阶（按顺序上下运行的音符——在下面的视频中 03:00 处）、分解和弦（在 01:44 处）和琶音（在 01:49 处），它们被用来自由地、精细地改写声乐线条。下面的咏叹调由多明尼克·斯卡拉蒂（1685-1757）创作，他是 J.S. 巴赫的同代人，在意大利创作，它让歌手面临着各种技术上的挑战。完美的呼吸控制、正确的音乐短语处理以及整体的持久力是完美演唱这首咏叹调所必需的。
调性
调性也变得很重要。中世纪和文艺复兴时期的作曲家依靠教会调式来支配音乐。在中世纪，圣歌线条 (cantus firmus) 是预先确定的，作曲家在它上面创作旋律线条。内声部最后填补，以确保音乐避免不稳定和不希望的音程。
巴洛克时期见证了主音中心或调号的兴起——大调听起来“愉快”，而小调听起来“悲伤”。这为作曲家提供了一套表达情感的工具。J.S. 巴赫的两卷作品，平均律钢琴曲集（第一卷和第二卷）说明了音乐可以在十二个大调和小调调号中作曲。此外，在使用平均律调音时，某些音程（音符之间的距离）或音程的组合不必避免。
异国情调
始于 15 世纪文艺复兴时期的欧洲探险时代，也在巴洛克时期的音乐中留下了印记。在巴洛克时期，由于对其他文化的迷恋，“异国情调”出现了，尽管这种迷恋是通过西方人的视角。
各种音乐形式和乐器被传入欧洲，并被融入音乐结构——例如，吕利的土耳其进行曲通过使用钹、铃鼓和鼓来营造出“土耳其”的感觉。
来自异国他乡的主题也出现在歌剧中。通常，这些地方和文化是通过西方的视角来描绘的，西方人就是通过这种视角来感知这些文化的。让-菲利普·拉莫的歌剧风雅的印度的背景设置在一个异国他乡——一个理想化的北美。在下面的视频中，拉莫的音乐 (Les Sauvages) 被使用，并配合一种被称为krump 的舞蹈形式（目的不是引起刻板印象，而是为了展示音乐如何演变并被移植到不同的语境中）。
在下面的视频中，欧洲和新世界之间的文化交流得到了体现。Hanacpachap Cussicuinin 是一首用克丘亚语（安第斯地区的一种土著语言）演唱的赞美诗。这种音乐风格在很大程度上依赖于西方公式，同时还包含安第斯土著音乐的元素。它可以被看作是对殖民者的“被动抵抗”。
虽然它是一首献给圣母玛利亚的赞美诗，但它包含了来自克丘亚语宇宙观和安第斯自然的丰富隐喻。这首赞美诗在 католицизм 神学和安第斯象征之间建立了交集，允许人们从两个方面进行解读和欣赏。
这首作品通常归功于传教士胡安·佩雷斯·德·博卡内格拉，但由于它按照巴洛克风格的“错误”，仍有一些争议——这位作曲家精通他那个时代的传统。这首作品可能是博卡内格拉的学生创作的。从历史的角度来看，Hanacpachap Cussicuinin 是一部重要的作品，因为它来自美洲的首部印刷的复调音乐作品。这首作品的创作时间在 1620 年到 1631 年之间。
巴洛克时期从 1600 年到 1750 年，跨越了大约 150 年，见证了音乐景观的彻底改变。文艺复兴时期错综复杂的、交织的音乐线条被清晰度和对音乐的关注所取代。它赋予了音乐和声乐同等价值。
但是，随着时间的推移，巴洛克音乐吸收了周围环境的影响，并再次变得更加复杂。对比和戏剧性是关键词。通过乐章之间的对比节奏和单一乐章内部的力度对比，以及装饰，其目标是激发情感。与其他文化的相遇也导致了新的创新和乐器被引入音乐，以进一步丰富音乐调色板。
